我的家乡画一幅画

布赫兹（Quint Buchholz），1957年生于德国莱茵河地区的史托堡(Stolberg)。从造型艺术学院毕业后，布赫兹即开始从事插画创作，为全球著名的出版社画过无数的封面、海报及广告插画。1988年，为配合该年度法兰克福书展，他在《时间周刊》(Zeit)文学版发表了17幅插画，引起各界的注意与好评，作品受到广大的重视。他所创作的封面，总能捉住读者的目光，提高该书的销售量；乔斯坦·贾德的畅销书《苏菲的世界》封面便是出自他的手笔。
　　 布赫兹不只为志同道合的作家画插画，也发表自己创作的作品，像1993年出版的儿童书《小熊乖乖睡》，及1997年获得“波隆那国际儿童书展最佳童书奖”的《瞬间收藏家》。同年出版的《灵魂的出口》，则是由出版社邀集46位不同国籍的名作家，以布赫兹的画为主题发想而成的，该书出版后也创造了很好的成绩。
Quint Buchholz：我认为，图画作为艺术，永远不是因为不解释，而是决定是否憾动人心。对我而言，工作上最重要的基础，或许在于对画采取开放的态度，用千变万化的视角及理解的方式来做出诠释。

插画：布赫兹（Quint Buchholz）
诗歌：米兰·昆德拉

灵魂的出口在哪
我始终不太明白
或许
在闭上双眼
你一直看不透
在重重迷雾后到隐藏着什么
也没勇气走进其中探个究竟
当现世的肉体支离破碎时
灵魂会睁开眼睛
结果
只是用手轻轻一拨
烟雾就散去了
出现了一道上了锁
天使把钥匙交到你手中
你只是轻轻转动钥匙
就此走入那门中
就这样一直走下去
再也不回头

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网址：
http://www.quintbuchholz.de/

反璞归真徐邠最初学*中国传统工笔画，他细致的具象画技术以精细入微的笔触为特征，而这些笔触又被层层积水积色再次烘衬。徐邠着迷于西方的构成艺术，并将其注入自己的作品。他现有的风格正是这种中国绘画技法和西方审美学相结合的产物。这些画作初见也许给人以似曾相识的感觉，但走*细看，构局的微妙就跃然纸上。
徐邠的画作似乎是某种孤独和安静的具体化，这种孤独和安静在现代超负荷运转的世界中是一种立刻能使人感同身受的安慰和孤独感。他相信水墨画与他自身的性格是一致的。画如其人，徐邠亦是个安静的人，画中昆虫和其他的生物却给予了他的画生命力。
在徐邠*作中出现的昆虫来源于他对少年时代的怀念和学*传统水墨画时沉浸在草虫带来的不可言说的愉悦感。其中蝴蝶以很高的频率出现在他的新画中，它们时常受困在笼中或是藏于帘后。被困的蝴蝶是中国旧时女子地位的象征。她们的一生常常受制于礼数教条，自由遥不可及。在某些方面恰似蝴蝶，美而脆弱。
一些微妙的幽默也潜藏于徐邠的画作。例如一幅作品中一只乌龟被一列岩石包围，因为本无出口，乌龟的脸上带着困惑的幽默表情。在这里，象征性的内含不言而喻。

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与阿根廷艺术家身上的那种狂放不羁完全不同，Eduardo Cetner (爱德华多.塞特纳) 看起来更象一个大学文学教授，举目优雅、话语柔和、眼神充满张力。塞特纳1956年出生于阿根廷首都布宜诺斯艾利斯，与其他阿根迁青年将梦想寄托于让人热血沸腾的足球和奔放不羁的探戈不同，从少年时代起，塞特纳便安静而执着地把自己的人生与绚烂的油彩相结合。作为一名现实主义流派的画家，塞特纳虽然精通各种绘画手法，但却没有让自己陷入苛求每个细节的“记录摄影”式泥沼。欣赏他的作品，不是看一幅纪实照片，而是阅读一篇情境曲折的小说。塞特纳的长处在于没有臃肿的叙述，而是给观者创造一片自由的意识世界。



塞特纳的作品，主角都是空间，或是荒野，或是海滩，又或是现代的飞机场，但其中有一些微小人物的存在。把渺小的人类置于一个求知的巨大空间中，景与人之间截然相反的空间维度，是作品最能体现出来的精神。正如塞特纳自己所说："孕育着阿根廷民族的潘帕斯草原，让我们有了不停迁徙的移居性质，无论是古代还是现代，跨过那条有着奇妙光晕的地*线是我们的宿命。"



在塞特纳的作品中，大部分用一条地*线分割了画板。塞特纳说："当你仔细看的时候，你会发现，有一些线是有颜色的。在我的祖国阿根廷，在潘帕斯草原上，有着世界上最美丽奇幻的地*线。它大部分时候都是绿色或白色的，但由于太阳光照射的角度变化，在某个瞬间，地*线会发出意想不到的光彩。而我把这种色彩带到了我的画中，进行了夸张，并不是要现实中的色彩，而是一种魔力。我觉得绘画最美妙的地方在于，它就和生活一样，你永远不知道下一刻会发生什么，下一个梦是美梦还是噩梦。可能我明天梦到了什么，我就会去画什么，谁知道呢？"


http://eduardocetner.com/obras-i.html

你苦战通宵游戏时，布里斯班的灯鱼已划过珊瑚丛；
你赶场招聘会时，蒙巴萨的小蟹刚溜出渔夫的掌心；
你写程序代码时，布拉格的电车正摇着铃晃过金色夕阳；
你挤进汹涌的食堂时，哥本哈根的街头画家完成了第99幅立体画。
有一些穿高跟鞋走不到的路，有一些喷着香水闻不到的空气，有一些在楼宇里永远遇不到的人。


生而懂得世间最温暖的情感，就好像火生而有光。这一夜，因你妥帖的温柔，洪荒退去。山河就在身后，岁月就在眼前。世事沉浮，在这一刹那全都无影无踪。眼角眉梢，都似落满星光。真切而不阻隔，历历在目。真不知胜过多少繁华嚣艳，白描亦能入骨。


年少的时候，我觉得孤单是很酷的一件事情。
长大以后，我觉得孤单是很凄凉的一件事。
现在，我觉得孤单不是一件事。
至少，努力不让它成为一件事。


不要为了一个人而活,一个人去承担两个人的爱情是很痛苦的,只有两颗心去真心经营爱情,那才是真正的爱情。在爱情的世界里没有真正的幸福,也不会有什么永恒的快乐,总有太多的现实让你无法不顾爱情,也许你会在他离开的时候难过伤心,但是总比失去自己的灵魂好,因为没有人会陪你一辈子的。

法国画家：William Bouguereau 阿道夫·威廉·布格罗介绍：
威廉·布格罗 (Bouguereau,Adolphe William,1825.11.30--1905.8.19）是法国19世纪上半叶法国学院派绘画的最重要人物。

他以神话和寓言题材的绘画吸引大批追随者。其作品以高度完整、技法全面和擅长表现多愁善感的题材为特征。在布格罗的画作里，女性的形象非常恬美，有妇女，仙女和农村姑娘等人物。其环境多为乡间丛林，宁逸静瑟。在人物造型处理上，为了追求高度的优美，舍弃技法创新，维护官方正统的艺术，排斥其他艺术流派，因而被现代批评家指责为保守的画家。

布格罗绘制了大批的乡村田园情调的作品。农妇、乡下小孩、流浪者、吉普赛女郎、牧羊女等等都成为了他作品下单纯、善良、美丽的形象，其身上穿着的衬衫、格子图案的意大利地方服饰、绝不重覆的服饰配搭是他在意大利四年取经行所看到并记录下来的，且自画家魔术般的手底下都成了一幅幅赏心悦目且色彩瑰丽的诗歌般的作品。

在当时的年代，他的画非常受欢迎，特别受到英美两国民众的青睐，可谓风头一时无两。大众对于他那种对唯美的诠释感到不可思议且喜爱万分，可说是继安格尔以后的另一个把古典美发挥得淋漓尽致的巨匠，甚至认为他可以媲美意大利文艺复兴三杰之一的拉斐尔(Raphael)，同样以温柔婉约的画风取胜，擅刻画典雅气质的女性形象。
阿道夫·威廉·布格罗( 1825 – 1905) ,於1825年11月30日出生在La Rochelle(在法国西部沿海)的一个酒庄。 他21岁时前往巴黎进入Francois-Edouard Picot工作室，并开始参加the Prix de Rome(一个美术奖项)的竞选，在1850年获奖，补助他到罗马的Villa Medici(法兰西学院的意大利所在地)进修四年，他把握机会研究文艺复兴时代的大师名作，同时也广泛旅游了意大利的农村，这段时期的经历奠基了他日后的风格与主题。回到巴黎后，他常在沙龙展出，作品广受公众与批评家欢迎，也被代理销受到美国与英国，并且获得许多奖项，在1859年受封，1876年获得Legion of Honour(荣誉爵位)，一度成为Academie des Beaux-Arts of the Institut de France的四十名成员之一，这是法国艺术家的最高荣誉；此后又成为比利时与西班牙的荣誉爵士、荷兰皇家美术学院的院士。 他是是法国19世纪上半叶法国学院派绘画的最重要人物。
1883年他成为沙龙领导人，致力於提升新进美术家的福利，并在学院中教课。最终在1905年8月19日去世。之所以会选择Bouguereau的作品是因为以天使与神画为主题的画作，另外还有女祭司那一幅。 如果把神话故事纳入奇幻的选题，奇幻的疆界将可以延伸至更深隧的时代，也更能表现出一脉相承的悠远历史；或许也可以观察西洋艺术发展对於奇幻画作的影响。
Biography of William Bouguereau

William Bouguereau is unquestionably one of history's greatest artistic geniuses. Yet in the past century, his reputation andunparalleled accomplishments have undergone a libelous, dishonest, relentless and systematic assault of immense proportions. His name was stricken from most history texts and when included it was only to blindly, degrade and disparage him and his work. Yet, as we shall see, it was he who single handedly opened the French academies to women, and it was he who was arguably the greatest painter of the human figure in all of art history. His figures come to life like no previous artist has ever before or ever since achieved. He wasn’t
just the best ever at painting human anatomy, more importantly he captured the tender and subtlest nuances of personality and mood.
Bouguereau caught the very souls and spirits of his subjects much like Rembrandt. Rembrandt is said to have captured the soul of age. Bouguereau captured the soul of youth.
Considering his consummate level of skill and craft, and the fact that the great preponderance of his works are life-size, it is one of the largest bodies of work ever produced by any artist. Add to that the fact that fully half of these paintings are great masterpieces, and we have the picture of an artist who belongs like Michelangelo, Rembrandt and Carravaggio, in the top ranks of only a handful of masters in the entire history of western art.
Having died in 1905, we can suppose it best that he was not here to see the successful assault on traditional art that turned the art world inside out and upside down in the decades that followed his death. His fate was to be much like that of Rembrandt, whose work was also ridiculed and banished from museums and official art circles for the hundred years following his death. Rembrandt’s reputation wasn’t resuscitated until the 1790’s (he died in 1669) due to the influence of the founder of the Royal Academy in London, Sir Joshua Reynolds. Even as recently as 1910, Reynolds paintings brought higher prices at auction than Rembrandt. Bouguereau’s re-appreciation can rather accurately be traced from about 1979 when his prices at auction quadrupled that year alone, and then was further catapulted by the 1984 retrospective that traveled from the Petite Palais in Paris, to the Montreal Museum of Fine Arts in Canada and finally to the Wadsworth Athenaeum in Hartford. In 1980 The Metropolitan Museum in New York permanently hung two of his works that been left in storage from early in the century.

意大利神经病学家Rita Levi-Montalcini现年102岁，曾于1986年获得诺贝尔医学奖。要说她是2012春季时装秀上的时尚灵感来源，恐怕没有人会相信。可在Fendi现任掌门人兼设计总监Silvia Venturini Fendi看来，她是一种非常特别的米兰女性完美化身，前者把这类女性的特点融入服装设计中，推出了严谨、实际，可能还有点学术味道的Fendi新一季春装。可Fendi首*设计师Karl Lagerfeld心目中的女性，并不是简单纯粹的意大利女性形象。他设想的女性，可能是Monica Vitti吧。我们在秀场上听到的电影原声，正是她的声音，这些片段来自于Michelangelo Antonioni最后一部表现城市焦虑的电影《 La Notte》。

不管怎么说，演员Monica Vitti都不是Loren和Lollobrigida那样走在时尚前沿的意大利性感女神。可Lagerfeld想表达自己对日装的重视，并以此与不计其数的酒会礼服系列服装分庭抗礼。采用商务T恤的条纹布料制作的弹力腰裙，搭配以白色衬衫，再戴上欺眼乱真的丝质领带，刚柔并济，尽显好学之风。而看上去就会受到紧跟时尚的人追捧的盒褶裙, A-line夹克、海军外套，更清楚地阐明了Lagerfeld的理念。

可是接下来，观众便进入了一个Fendi以外的疯狂世界。这些衣服——带有巨大的馅饼皮镶边贴兜的短裙、前围兜上衣——可能就是从一个精神失常的家庭主妇的衣橱里找来的。随后，落日西沉，观众看到一个身穿印有漩涡形图案的纯黑服装，仿佛电影《Looking for Mr. Goodbar》中主人公一般的女性形象（电影中，女主人公是一个过着双重生活的女子，白天是天主教聋哑学校老师，晚上出没于夜总会，享受着靡烂的性生活。电影根据历史上一个真实的心理学案例改变）。她手里抓着一个相当华丽的皮包，据Silvia Venturini Fendi所言，依照设计，那个皮包看上去应该像一幅画。

到此值得注意的是，模特的蓬松发型是刻意打乱的，好让人回想起爱因斯坦。而且，无框太阳镜下，她们的眼皮金光闪闪，原来是敷了一层金叶。好吧，透过时尚看科学，也只能做到这样了，不过，人们还是不愿去最*的大学里注册科学知识课程。

凯兰书卷（或译凯尔经，Book of Kells）是一部泥金装饰手抄本，是早期*面设计的范例之一。凯兰书卷约在西元800年左右由苏格兰西部爱奥那岛上的僧侣凯尔特修士绘制。这部书由新约圣经四福音书组成，语言为拉丁语。这是一本有着华丽装饰文字的圣经福音手抄本，每篇短文的开头都有一幅插图，总共有两千幅。 虽然福音书的文本包括几个从圣经的更早的版本Vetus Latina的段落，但主要是根据武加大译本写成。它是西方书法的代表作，亦代表了海岛艺术绘画的高峰。它也被大众认为是爱尔兰最珍贵的国宝。 凯尔经的奢华和复杂性远远超过其他的海岛福音书，他的设计结合了传统的基督教图案和海岛艺术的典型旋转图案。人类、动物、神兽、凯尔特结和色彩鲜艳交错的图案使手稿的页面更添活力。这些小小的装饰元素都充满了基督教的象征，因此可以进一步深化插图的主题。 时至今日，传世的手稿有340小册。自1953年来，这些手稿被分成四大册。页面以小牛制作成的牛皮纸制成，上面画有空前复杂的装饰：包括十页的整页插图、以情节图案装饰首字母的文字页，以及字行间的小画像——这些都标志着海岛艺术反古典和充满活力的特质的最远延伸。这个海岛艺术的文本是来自最少三个文士，文字是用铁胆的油墨写成，色彩则是来自主要从远地运来得不同物质。 这书卷的名字来自存放了凯尔经数世纪的凯尔教堂。现时它被永久存放

   波西米亚是生活在捷克斯洛伐克那个放荡不羁、以歌舞为生的民族，还是那群视世俗准则如粪土的艺术家？如今波西米亚成为一种生活观，在波西米亚的旗帜下，追逐财富，和崇尚自由的精神不可思议地结合起来，向人们展示着一幅用庸俗作背景的个性场景，也许这正是现代人精神的一个侧面：除了金钱，没有什么能让人获取更大的自由。有人用一句通俗时尚的语言精辟地概括为——有一定经济基础的小资情调！ 再复杂的情绪，在这个时尚的时代都能用感性的服饰演绎出来，波西米亚落实在女人身上，便成了一种奢华的另类、个性的高贵。 波西米亚风格的装扮，在总体感觉上靠*毕加索的晦涩的抽象画和斑驳陈旧的中世纪宗教油画，还有迷综错乱的天然大理石花纹，杂芜、凌乱而又惊心动魄。暗灰、深蓝、黑色、大红、桔红、玫瑰红，还有网络上风行的“玫瑰灰”都是这种风格的基色。没有底气的人一穿上便被无情地淹没在层层叠叠的色彩和错觉中。